【办公软件】认知清单~如何欣赏西方绘画

另一点,它之所以比同类作品《红色的画室》更迷人,是它通过形状的丰富——有大面积的色块,有圆润的圆形,有藤蔓植物的弯曲,有椅子、窗户的方形,避免了平面装饰画很容易陷入的单调氛围。颜色经过精心挑选,形象经过精心安排,形状经过精心剪裁,创造了一个自给自足的完整平衡的世界。

引言:

如何迅速地识别一幅西方绘画属于什么流派?

这张清单。相信会帮到你。

  1. 西方绘画的大规律

总的来说,从文艺复兴到现代主义这800年间,西方绘画经历了从“画得像”到“画得不像”的过程。看画的时候,第一个要了解的就是“创作年代”。创作年代距离现在越近,越不要夸这幅画“画得真像”。具体来说,不同的流派风格特点各不相同。

  1. 文艺复兴时期(Renaissance):十三世纪末期至十六世纪中叶

关键词:“正”。

四平八稳,人物的身材比例和真实生活当中几乎一样;人物形象没有夸张表情,了不起有个微笑,或者小小忧伤。整幅画没有明暗对比,人物都置身于风景或建筑当中。景色都风轻云淡,建筑均错落有致。

欣赏方法:走近了看,看微观上的“像”;站远了看,看宏观上的“和谐”。

代表画家:达·芬奇、拉斐尔。

代表作:达·芬奇的《蒙娜丽莎》。

  1. 北方文艺复兴(Northern Renaissance):十五世纪初期至十六世纪中叶

关键词:“细”。

“北方”指的是阿尔卑斯山以北,主要指荷兰、德国等地,区别于阿尔卑斯山以南的意大利文艺复兴。北方文艺复兴的绘画细密到极点,貂皮大衣的绒毛丝丝入扣,华服上的镂金根根分明。

欣赏方法:注意细节,动物看毛,衣服看褶皱和花纹,如果有镜子,一定注意镜子里面有什么。

代表画家:扬·凡·艾克、丢勒。

代表作:扬·凡·艾克的《男子肖像》。

  1. 矫饰主义(Mannerism):约 1520-1580年

关键词:“妖”。

矫饰主义是出现在文艺复兴末期向巴洛克风格过渡的一个短时期。文艺复兴的大师们把“正”的东西都画完了,年轻的艺术家想要混出来,只能剑走偏锋,画“不正”的、“妖娆”的东西。主题妖里妖气,色彩绚丽夸张,人物奇形怪状,不乏情色、怪诞、夸张之感。

欣赏方法:注意奇特的故事情节、夸张艳丽的配色,以及人物奇葩的表情。

代表画家:布隆齐诺、帕尔米贾尼诺。

代表作:布隆齐诺的《维纳斯的胜利》。

  1. 巴洛克(Baroque):十六世纪末期至十七世纪末期

关键词:“戏”。

巴洛克绘画强调戏剧性,强调冲突,有情感张力。一幅画,背景黑乎乎,局部却好像有一道光照射进来。形成黑暗与光明的强烈对比,人物表情很生动,感觉在演戏一般。

欣赏方法:注意光线明暗交织的地方,那是画家最希望你注意的地方。忽略细节,感受画面中戏剧性冲突的那一刻。

代表画家:卡拉瓦乔、伦勃朗。

代表作:卡拉瓦乔的《圣马太蒙召》。

  1. 洛可可(Rococo):17世纪末期19世纪中后期

关键词:“媚”。

洛可可流行于18世纪的法国,核心思想是追求享乐的生活态度。场景愉悦,脂粉气浓,整体色彩粉嫩,人物皮肤水灵,好似加了磨皮滤镜一般。

欣赏方法:注重画面中的欢愉浮华气氛,关注整体色调的氤氲之气。

代表画家:弗拉戈纳尔、华托。

代表作:弗拉戈纳尔的《秋千》。

  1. 新古典主义(Neoclassicism):18世纪末期至19世纪上半叶

关键词:“精”。

新古典主义是对文艺复兴拉斐尔式理想主义绘画的复兴。主题人物“伟”、“光”、“正”,笔触精细,色彩鲜明,近看看不到任何笔触痕迹。

欣赏方法:感受“人肉照相机”一般的精细、笔触的精致,以及色彩的绚丽平衡。

代表画家:大卫、安格尔。

代表作:大卫的《拿破仑在杜伊勒里宫办公室》。

  1. 浪漫主义(Romanticism):19世纪初期至中叶

关键词:“飘”。

追求个人情感的释放,与新古典主义的主张完全背道而驰,笔触粗放,画风飘逸,情绪饱满。

欣赏方法:别站太近,像看电影一样去看绘画,感受画面的情感冲击。

代表画家:德拉克罗瓦、戈雅。

代表作:德拉克罗瓦的《肖邦肖像》。

  1. 法国写实主义(French Realism):19世纪中叶

关键词:“朴”。

这里的写实,指的不是技法上的写实,而是题材上的写实,这派画家喜欢走到乡间,刻画底层人民的生活,接地气。

欣赏方法:搞清楚画中人物的社会阶层,以及他们在干什么,尝试角色扮演,将自己带入情境。

代表画家:米勒、库尔贝。

代表作:米勒的《拾穗者》。

  1. 印象主义(Impressionism):19世纪后半叶

关键词:“浸”。

印象主义绘画的主张是忽略形状,用色彩和光影作画,走到自然中去观察,看到什么画什么,所以导致印象主义绘画的真实感不仅来源于视觉,会带来强烈的“沉浸式”体验。

欣赏方法:站远一点看。如果你近视眼,不戴眼镜看是个不错的选择;不近视的可以把眼睛眯起来看,想象自己置身画面的场景之中。这种沉浸式体验,能让你身临其境,体会到画面以外的感受。

代表画家:莫奈、雷诺阿。

代表作:雷诺阿的《艾琳小姐》。

  1. 后印象主义(Post-Impressionism):19世纪末期至20世纪初

关键词:“幻”。

在印象主义绘画忽略形状的基础上,后印象主义在客观中加入主观,为了表达和谐的构图、原始的冲动,以及情感的纠缠,让画面更加扭曲变形,形成一种粗中有细、视觉冲击极强的绘画风格。

欣赏方法:远一点看,沉浸于画面之中的时候,不妨将个人情感带入。

代表画家:梵高、高更、塞尚。

代表作:梵高的《自画像》。

  1. 现代主义(Modernism):20世纪至今

关键词:“梦”。

20世纪后出现的很多看上去“怪”的绘画,比如以毕加索为代表的立体主义(Cubism)、克里姆特为代表的表现主义(Expressionism)、达利为代表的超现实主义(Surrealism),都属于现代绘画。这些绘画,跳出了主题、形状和色彩的框架,直接向人们的视觉发起情感冲击,现实在现代主义的画笔之下崩塌了,让看画的人仿佛置身梦境一般。好像一段音乐,不用知道标题是什么,你也能听出它的情绪。

欣赏方法:长时间地注视,放弃理性和逻辑的思考,用放空、感性的眼光去体会。

代表画家:蒙克、毕加索、波洛克、罗斯科。

代表作:蒙克的《尖叫》。

- 2012-01-16 -

曾经在百度知道中回答一位网友关于西方绘画大师的问题,我列举了五位:梵高、马蒂斯、夏加尔、米勒和毕加索,并说明了自己喜欢的原因。原文如此(版式略作修改):

我有时候在想就像我们这种凡人之所以喜欢谁很大程度上都是政府媒体的作用,尤其是国外的一些艺术家和作家,如果政府看哪位不顺眼,根本不允许其被介绍到国内,那我们也就根本无从知道,而媒体更是屈服于政治的力量,迎合着时代的旋律。也无怪我的一些朋友用翻墙软件去看国外服务器上的一些东西,就因此他们知道的更多,更真实。我自己并没有这个习惯,一方面我不愿花精力去翻墙,一方面我也不相信国外的就是真实的,亦或被禁闭压抑的就是真实的。说回本篇文章的主题,我所知道的西方画家中,确实我就对这五位有感觉,而且我确实觉得西方画家的构图不如中国古时候的画家(比如朱耷、徐渭等)来的奇巧、精致,画面上的内容也没有中国画的那种意境。西方画家多采用身边现实中的事物,比如桌子、桌子上的苹果之类生活道具,或人像,或自然风光。不是现实也是来自于历史神话中的场景,写实或重现的主题在西方绘画中一直占据很主导的地位,直到现代主义时期才被和传统截然不同的观念所取代——从而才和东方绘画形成分庭抗礼之势。现代主义时期的画作是西方绘画的真正成就,就像古代绘画是中国绘画艺术的真正成就一样。在我们前面提到的五位大师中,也就是米勒是十九世纪现实主义画风,他的画面色彩浑厚,很有负重感,重心下压,而且是农民题材,这也是我喜欢他的原因。题外话,马克·吐温的小说《他是否还在人间》就是关于米勒的故事,写得饶有趣味。现在,如果让我就那五位大师其中之一写点什么的话,那就是马蒂斯,说到马蒂斯,那就是——《红色的和谐》。

首先,这幅画和他所有的画都不同,比所有画都好。大面积的均匀的红色,藤蔓植物平行(平行于桌面,平行于画面,平行于墙壁)地从桌布延伸到墙壁,桌上花瓶中的花束附着在墙上与其融为一体,椅子也是平面的,妇人更像一张剪纸贴附在画面上;从颜色角度,除了大面积的红色,还有四种重要的颜色——与红色达成平衡:妇人身上的颜色、藤蔓植物的颜色、椅子和圆形水果的颜色、窗外风景的颜色,分别均匀地分布在画面四个方位。这幅画的重心是均匀散落于画面的各个点,本来桌子有可能把重心拉到靠下的位置,但由于画家对桌面和墙壁的分界的处理——只是一条细微的线,造成视觉上的错觉,仿佛是一个色块,而且蓝色藤蔓植物使桌子更趋平面化,从而仍使重心保持分散平衡。

整个画面没有主次之分,没有背景和前景之分,没有透视原理,没有光线作用,只有形状、颜色和分布。共同构成了马蒂斯的装饰艺术,正如他自己所说:“我所梦想的是一种平衡、纯洁、宁静、不含有使人不安或令人沮丧的题材的艺术,对于一切脑力工作者,无论是商人或作家,它好象一种抚慰,象一种镇定剂,或者象一把舒适的安乐椅,可以消除他的疲劳。”

“梵高,因为他的短笔触和对黄色空前的运用;马蒂斯,因为他的东方特色和他在画中一贯追求的平衡;夏加尔,因为他描绘形象的能力和他的眼界;米勒,因为他作品中的气氛和对农民这一题材的挖掘;毕加索,因为他的蓝色时期的作品。”

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